Master classes

Master classe destinée aux comédiens professionnels
Du 31 mars au 11 avril 2025 de 11h à 18h
Afin de marquer son soutien à la profession, la Fondation leLabō propose cette master classe gratuitement

Pour s’inscrire : envoyer un CV et une lettre de motivation à info@lelabo.site
Délai d’inscription : 17 mars à 12h

« Je ne suis rien.
Je ne serai jamais rien.
Je ne saurais vouloir être rien.
À part ça, je porte en moi tous les rêves du monde. »

    Àlvaro de Campos, hétéronyme de Fernando Pessoa

Tout et Rien c’est ce que l’auteur, le poète peut nous offrir. Surtout le manque entre le tout et le rien de l’écriture. C’est la matière que l’acteur et l’actrice peuvent laisser naître en eux comme des plaques sensibles, qui rendront vivants les mots couchés sur le papier.

Le mot est un muscle. Nous pouvons l’allonger, le contracter, l’éclaircir, l’obscurcir pour saisir quelque chose qui échappe à la convention. Réveiller l’oreille fatiguée et le cœur confortable pour faire entendre un langage qui est en nous. Aussi, cette matière textuelle, trouée, corps malade, mêlée à nos propres émotions nous pousse à essayer, troubler, saisir ce quelque chose qui nous échappe et qui nous rend vivant.

Vivant aussi pour celui ou celle qui écoute et qui regarde. Si cette matière corporelle et textuelle de l’acteur et l’actrice est en mouvement devant nous, nous pourrons construire à vue une pensée vivante. Et nous spectateur-spectatrice regardant, écoutant, nous pourrons être avec les interprètes.

Mon travail sera de chercher avec les participants à sauter dans le vide, dans le rien. Avoir le courage de se désarmer, de se dépouiller des préjugés, du confort. La peur, l’erreur et bien sûr l’aveu de faiblesse sont les bienvenus. Pour cela, nous utiliserons les sons, les silences, un déboîtement du corps pour faire hospitalité au poète Ostrovski. Et pourquoi pas, que nous l’invitions à partager sa subjectivité afin qu’elle puisse réveiller la nôtre.

Mais avant il faudra enlever ce qui est mort en nous. Pour moi, il y a la mort avant la vie.

Quand j’ai lu « l’Orage » la réplique que Catherine dit à sa belle-sœur Varvara (Acte I) :

Silence
– Je mourrai bientôt.

m’a saisi et stupéfait. Une jeune femme nous dit qu’elle va mourir. Cette déclaration a déclenché un « obscur pressentiment, une intuition puissante et vague » comme dit Peter Brook.

L’orage gronde et la mort viendra à la fin de la pièce comme une délivrance. Un orage qui éclate, qui perce, une condition de vie trop lourde qui pèse sur les personnages.
C’est cela qui me donne envie de mener l’enquête pendant les deux semaines au Labō.

C’est une pièce, courte, dense et je choisirai les scènes qui nous aideront à expérimenter cette écriture violente, sociale, politique où les femmes ont la parole.

Juan Antonio Crespillo

« De par mon expérience de comédienne, je me suis aperçue que la contrainte physique, la contrainte du costume m’amenait à rêver, à bouger autrement les personnages que j’interprétais. Afin de partager mon savoir-faire et dans un esprit de transmission qui m’est cher, j’ai imaginé cette master classe « Le corps comme un costume ».

Les textes  « Lysistrata » d’Aristophane,  « Phèdre » de Racine, « Le Misanthrope » de Molière et « Le fil à la patte »  de Feydeau, seront de joyeux terrains de jeu pour ces deux semaines.
La première semaine, il s’agira de travailler sur l’hyper contrainte : chaussures trop hautes, trop petites, corset, paralysie, minerve, crampe… pour explorer un jeu qui sera forcément baroque.
La deuxième semaine, il s’agira de tout reprendre, en opposant cette fois-ci une lecture absolument minimaliste de ces textes.
Mais surtout, il s’agira de JOUER ! »

Avec: Salma Cherqaoui, Pauline Klaus, Agathe Lecomte, Anaïs Lhérieau, Noé Menuau, Paola Renout-Lefever, Clara Vienna

« Lorsque je donne des cours, je constate très souvent que ce que veut dire l’auteur n’est pas forcément accessible au premier abord pour mes élèves. Très souvent ils et elles passent à côté de la situation car les mots ne sont pas totalement révélateurs de l’action en jeu. Savoir déceler ce qui se joue dans une scène demande de la pratique et une habitude de la lecture théâtrale afin de passer du livre à la scène.
Une fois que le sens est compris une nouvelle étape doit être franchie : il faut savoir structurer ce sens dans notre manière d’interpréter la scène, afin de faire entendre le plus clairement possible ce qui est joué.
J’ai donc élaboré une série d’exercices qui commence par la lecture d’un texte et va jusqu’à l’élaboration de ce sens dans la construction d’une scène de théâtre. C’est ce que j’appelle « la structure du sens ».
Nous tâcherons donc de rechercher et de comprendre ensemble cette structure du sens à travers les scènes d’une pièce du théâtre classique d’Alfred de Musset, Les caprices de Marianne.»

Avec: Bénédicte Amsler Denogent, Angèle Arnaud, Djamel Belghazi, Pascal Hunziker, Anaïs Lhérieau, Anna Martinella, Raphaël Michoud, Nicolas Mueller, Olivier Périat, Aurélie Rayroud

L’écriture théâtrale de Claudel abrite une énigme. Apparemment à l’écart de toute actualité, elle maintient une puissance d’attraction pour les acteurs et actrices, metteurs et metteuses en scène. Elle s’obstine à trouver, à toucher des publics contemporains, parfois vastes, malgré ses difficultés. Cette master-class voudrait expérimenter quelques modalités et raisons de cette force.
Une de ses ressources tient à son ancrage intense dans le poétique. Mais il ne suffit pas d’être poème pour produire le théâtre : Mallarmé reste moins sollicité sur les scènes. Quel rapport à la poésie met en mouvement cette écriture scénique ? Comment cette pratique sonore, prosodique, métrique, rythmique, tient-elle la scène en convoquant la vie physique des interprètes ? Il est aussi question des figures, images et visions portées par les textes : par quelle sorte de vitalité, traversant le jeu, atteignent-elles les sensibilités spectatrices ?
Et encore, quelle pratique singulière du dialogue structure ces écrits, l’inscrivant dans des situations élémentaires, en les transcendant à tout moment ? Comment circule, se transmet, s’intensifie la puissance poétique dans le passage entre comédiens et comédiennes ?
Pour éprouver ces aspects, on engagera du travail sur le jeu. Le matériau principal sera la pièce L’Échange, dans sa première version (1895), parfois mise en rapport avec la seconde (1951)[1]. On fera, par moments, appel à des écrits non-théâtraux du même auteur (poèmes, prières, proses), pour chercher la différence théâtrale. On pourra établir des ponts avec d’autres écritures, dont l’énigme est peut-être comparable (Novarina). Enfin, on se demandera toujours comment ces textes sont nourris d’un rapport à la parole populaire, dans sa robustesse comique – parfois plus manifeste dans d’autres pièces (Le Soulier de satin), mais qui parcourt, obscurément ou visiblement, les séquences les plus lyriques.Denis Guénoun

[1] Toutes deux sont réunies dans un volume de la collection de poche Folio-Gallimard

Avec: Carine Barbey, Alice Berlamont, Patrich Dentan, Rachel Felli, Hélène Firla, Nicolas Mueller, Jocelyne Page, Yasmine Saegesser, Chloé Wipraechtiger, Marie Wyler

Stage de 15 jours pour comédien(ne)s professionnel(le)s. Aucune limite d’âge, ni inférieure, ni supérieure mais un texte mémorisé « au rasoir » d’une durée approximative de 3 à 5 minutes. Cela pouvait être un monologue, un texte littéraire, une scène de théâtre où l’on s’empare de tous les protagonistes… Le choix du texte à mémoriser était à la discrétion de chaque participant.

« Hors des contraintes de production, expérimenter une plongée respectueuse et bienveillante dans l’intime du comédien lorsqu’il profère son texte. Que se passe-t-il à l’intérieur de soi lorsque le texte se dit? Peut-on intervenir, modifier, enrichir ce moment si particulier du présent du jeu?
Regarder, sans référence à une quelconque «méthode», ni à aucune «recette» et dans le respect des différences de chacun comment, en amont, il est possible de dialoguer avec le texte dont on va avoir la charge, comment se nourrir de ce dialogue lors des répétitions et, in fine, comment tendre à apporter l’entier de soi dans chaque instant de la représentation ».  Michel Voïta

Avec: Simon Bonvin, Pierre-Alain Clerc, Maïlys Favraud, Rita Gay, Serge Musy, Eloïse Pochon, Yasmina Remil, Michel Rossy, Anne-France Tardiveau, Amélie Vidon

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